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Moonwalkers es una comedia Francesa , dirigida por el prestigioso publicista Antoine Bardou-Jacquet, y producida por Michel Gondry, la película parte de la siguiente premisa:
 
¿Y si el Apollo 11 nunca hubiese llegado a la luna? ¿Y si fue en realidad Kubrick quien rodó en secreto la llegada del hombre a la luna en un estudio? En el Londres de los años sesenta, un agente de la CIA intentará sin éxito encontrar a Kubrick; en cambio, tras ser engañado se juntará a la fuerza con un penoso mánager musical.
 
Moonwalkers es una comedia de acción delirante y desenfrenada, que nos transporta de vuelta a la época hippie. Los fabulosos y originales créditos iniciales con ese toque psicodélico te dan ya una idea de lo que vas a ver.
 
Con mucha sicodela y un viaje en LSD la pelicula se basa en situaciones donde los dos personajes muy opuestos tienen que unir sus fuerzas para lograr un objetivo en común, llevándoles a conflictos delirantes. Ver a un rígido agente de la CIA rodeado de hippies tiene ya de por si un gran potencial cómico, y han sabido sacarle además buenos resultados.
 
Repleta de personajes estúpidos como en El Gran Lebowski, y dosis de acción a lo Snatch, Moonwalkers es una película cómica de acción, con sexo, drogas... y sobre todo: ¡muchas risas!
 
Además de las cuantiosas carcajadas que regala el buen guión, el film también ofrece momentos muy interesantes a nivel visual. El vestuario y ambientación de la época están bien logrados. Y lo más importante de todo es que se trata de una película, que no pretende tomarse en serio a sí misma en ningún momento.
 
 
Una cinta ideal para pasar un fin de semana en el que estamos aburridos y no tenemos nada que ver.
 
 
 
 

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Natural Born Killers (Asesinos natos en España y Asesinos por naturaleza en Hispanoamérica) es una película satírica de 1994 dirigida por Oliver Stone y protagonizada por Woody Harrelson y Juliette Lewis. Destacan las apariciones de Rodney Dangerfield, Robert Downey Jr., Tom Sizemore y Tommy Lee Jones.
 
El guion original fue escrito por Quentin Tarantino y revisado por Stone, Richard Rutowski y David Veloz. Si bien gran parte del diálogo es lento, como la idea original sugería, las revisiones trasladaron el centro de atención de la historia desde el periodista Wayne Gale (Robert Downey Jr.) a Mickey y Mallory. Tarantino no estuvo de acuerdo con las revisiones, repudió el guion y pidió que su nombre fuera borrado de los créditos de guion, de modo que su nombre aparece únicamente como «historia de».
 
Natural Born Killers tiene particulares características de dirección, debido al amplio rango de ángulos de cámara, filtros, lentes y efectos especiales usados durante su producción. La mayor parte de la película parece una «perspectiva televisiva»; de hecho, algunas escenas son sátiras de programas de televisión de esa época, incluida aquella escena en que se retrata en un tono de farsa de comedia de situación a una familia desestructurada. Anuncios de televisión que eran comunes en aquel tiempo aparecen breve e intermitentemente a lo largo de la película.
 
La película pretende hacer hincapié en la forma sensacionalista en que los crímenes son descritos por la prensa y la manera en que esta y otros medios ensalzan a los asesinos. Fue criticada por su excesiva violencia gráfica y de contenidos.
 
La película fue inspirada en la historia de Charles Starkweather y Caril Ann Fugate pareja que asesinó a 11 personas entre Nebraska y Wyoming a finales de los años 1950.
 

 

 

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 Perdita Durango es una mujer sin escrúpulos que, en compañía del santero criminal Romeo Dolorosa, realiza una operación de tráfico de fetos que le llevará desde la frontera mexicana hasta Las Vegas. A lo largo de su camino se toparán todo tipo de extraños y siniestros personajes, algunos realmente depravados: agentes dobles, policías, periodistas, santeros, asesinos, traficantes de drogas, prostitutas y padres desesperados. 

 

"Perdita Durango" es una historia de amor incendiaria contada y cantada a ritmo de corrido enloquecido; un viaje al final de la noche en el que todos los viajeros llevan únicamente billete de ida
 
Trailer
pelicula completa en castellano

 

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Al igual que su predecesora, Los renegados del diablo es una película altamente referencial. La diferencia está en que, si bien La casa de los 1000 cadáveres era un homenaje a las dos primeras partes de La matanza de Texas (1974), en esta ocasión Zombie construye una gran referencia a los western de Sam Peckinpah, especialmente El grupo salvaje (1969), con la que comparte esa visión de personajes que escapan cuando su mundo poco a poco se acaba. Eso no quiere decir que Rob Zombie se haya olvidado de Tobe Hooper, ya que el argumento tiene una profunda resonancia a La matanza de Texas 2 (1986): tras los eventos ocurridos en la primera película, el Sheriff John Quincy Widell decide vengarse de la familia de psicópatas que causó la muerte de su hermano, por lo que reúne a todas las fuerzas del orden para tomar por asalto la casa de la familia Firefly. Otis y Baby, los únicos que han conseguido escapar con vida, deciden huir junto al Capitán Spaulding mientras son perseguidos por el sheriff, quien poco a poco demuestra ser tan brutal y sádico como ellos. En el camino, por supuesto, los jóvenes Firefly cometen todas las tropelías y masacres a las que ya nos tenían acostumbrados. La cinta narra, por lo tanto, la historia de unos demonios bandoleros perseguidos por un ángel justiciero no menos sanguinario.
 
 
 
Esta secuela, sin embargo, es tremendamente diferente a la primera parte. Si bien el humor negro de La casa de los 1000 cadáveres todavía está presente, la cinta es mucho más brutal y despiadada, y menos caricaturesca en lo que se refiere a sus personajes. Pero al mismo tiempo, el hecho de que estos (aún siendo más depravados de lo que ya eran) sean los protagonistas y narren la historia desde su punto de vista, crea una interesante paradoja: el público de alguna forma termina identificándose con la familia Firefly. Aunque no necesariamente esto quiere decir que terminamos aupando la violencia y la brutalidad de Otis y Baby, si llegamos a involucrarnos emocionalmente con ellos, lo bastante como para interesarnos por el desenlace de esa familia de psicópatas que tan genuinamente se quieren.
 
 
A todo esto hay que añadir el cambio radical de estética que Rob Zombie ha acometido con su secuela. La primera película era un festival de colorines de feria, un oscuro glamour casi irreal, más típico de una secuencia onírica o de un cómic. Los renegados del diablo, sin embargo, apunta a una estética hiperrealista, y reproduce a la perfección el look sucio y granuloso del cine setentero de explotación en el que evidentemente se inspira. La presencia además de viajes luminarias del horror de esa década como Michael Berryman y Ken Foree ayuda.
 
 
A medida que avanza el metraje, la confrontación entre la familia Firefly y el sheriff Wydell va intensificándose cada vez más. Lo interesante es ver como se intercambian los papeles en cuanto a simpatía con el público, ya que a medida que va pasando el tiempo comprobamos no solamente los lazos afectivos que unen a los tres asesinos, sino también la degeneración psicópata del propio sheriff. El final de la película es, por lo tanto, el único posible, pero eso no le resta un ápice de su fuerza. Los renegados del diablo es una de las mejores películas que este género nos ha dado en los últimos años.
 

 

 
 
 

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Dancer in the Dark (titulada Bailarina en la oscuridad en Argentina, Bailar en la oscuridad en España y Bailando en la oscuridad en México) es una película danesa de 2000 dirigida por Lars von Trier. Este drama musical danés, cuenta con las actuaciones de la cantante islandesa Björk, Catherine Deneuve, David Morse, Peter Stormare, Joel Grey.
 
Es la tercera de la trilogía fílmica Corazón dorado de von Trier en la que se incluyen Breaking the Waves con Emily Watson, y Los idiotas; todas historias de heroínas que se mantienen inocentes pese a sus acciones. La banda sonora de la película, luego editada en el álbum Selmasongs, fue creada en su totalidad por Björk.
 
Se trata de una coproducción en la que participaron Dinamarca, Alemania, Países Bajos, Italia, Estados Unidos, el Reino Unido, Francia, Suecia, Finlandia, Islandia y Noruega.
 

La película se desarrolla en Estados Unidos en el año 1964. Selma (Björk) es una inmigrante checa que se muda a aquel país con su hijo Gene. Además padece una enfermedad hereditaria degenerativa que le está ocasionando una rápida ceguera progresiva. Por este motivo Selma ahorra centavo a centavo en una lata que guarda en su cocina para pagar una operación que evite que su hijo sufra el mismo destino.
 
Selma participa en la obra teatral The Sound of Music donde comienza a quedarse ciega. Cuando su vida es aburrida y miserable, comienza a tener alucinaciones donde ve a la gente en números musicales.
 
La vida de Selma comienza a ser una auténtica ruina; uno de sus supuestos amigos la traiciona, le ocurren cosas malas en parte por culpa de sus alucinaciones y otra por su enfermedad irreparable. Si nos damos cuenta, Selma está rodeada de mucho amor. Es una película de corte trágico, alineada con la corriente estética llamada "dogma 95"
 

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Drama Fantástico. En la época colonial, Macario (Ignacio López Tarso), un campesino sumamente pobre que tiene esposa y cinco hijos, se dedica a vender leña en el pueblo. Harto de una vida de privaciones y apuros, manifiesta que su mayor anhelo es poder comerse él solo un guajolote (pavo) para saciar su hambre, sin tener que compartirlo con su numerosa familia. Su esposa (Pina Pellicer), confidente de tan profundo deseo, un día roba uno de la granja de una familia rica y lo cocina para Macario. Éste se va al bosque para comérselo en solitario, pero cuando se dispone a hacerlo, Dios, el Diablo y la Muerte se le aparecen para pedirle que lo comparta. Solamente le da a la Muerte y ésta a cambio le entrega una botella de agua que cura cualquier enfermedad. Pronto gana mucho más dinero que el doctor del pueblo, pero también llama la atención de la temida Santa Inquisición... 

 

 


Basada en un cuento homónimo de Bruno Traven, esta gran película fue dirigida por Roberto Gavaldón, y fotografiada por el laureado Gabriel Figueroa. Fue merecedora de mayores reconocimientos a nivel internacional, como la nominación a la Palma de Oro en el Festival de Cannes, y fue la primera cinta mexicana en ser nominada al Oscar en 1961 como Mejor Película Extranjera, premios que ese año se llevó El Manantial de la Doncella de Ingmar Bergman. Sin embargo, la crítica revisionista que surgió en México a principios de los años sesenta acusó a Macario y a su director de un exceso de preciosismo y artificialidad, y para su mala suerte, no pudo competir al Ariel porque desde 1958 dicho reconocimiento había sido suspendido debido a la mala calidad de producción en la que se encontraba la industria cinematográfica nacional. Estas apreciaciones condujeron a un prematuro desprestigio del cine de Roberto Gavaldón, quien una década atrás había sido uno de los directores más respetados de la industria fílmica mexicana. Por algunos años, Macario fue considerada como una película hecha para satisfacer el gusto extranjero, triunfar en festivales y subrayar un nacionalismo anacrónico y nada moderno. Luego, en los años ochenta, Gavaldón fue revalorado y sus películas –Macario incluida- apreciadas por las mismas razones que anteriormente fueron criticadas. Actuación magnífica del señor Ignacio López Tarso, Enrique Lucero como la muerte y debut de la inolvidable Pina Pellicer, que le valió ser contratada en Hollywood por Marlon Brandopara encarnar a su interés romántico en El Rostro Impenetrable (One-Eyed Jacks, 1961), dirigida por él mismo. Tarso y Pellicer volverían a actuar juntos en uno de los mejores dramas de la época: Días de Otoño (1963), también de Gavaldón. 

 

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México, 1972

 

Cinta dividida en tres episodios En Fe, la humilde Regina, casada con un paralítico, va al santuario de Chalma a pedir que éste se alivie. Durante el viaje se embriaga y es violada; sin embargo, al regresar a su casa, su marido ha mejorado, por lo que promete visitar de nuevo el santuario. En Esperanza, el fakir Sabino se exhibe crucificado en una carpa para ganar el dinero que necesita para construirle una casa a su madre. Los clavos con los que lo crucifican no son totalmente de oro, pues el empresario los compra sólo ligeramente bañados en ese metal; así que Sabino enferma y muere. Al final, el empresario se ve obligado a indemnizar a la madre. En Caridad, unos niños riñen por unas monedas que arroja una anciana; las madres hacen lo mismo e involucran a sus esposos para que se desquiten. Estos a su vez discuten y accidentalmente uno mata al otro. Mientras las esposas sufren toda clase de vejaciones burocráticas para rescatar el cadáver de uno y sacar al otro de la cárcel, sus hijos se reconcilian.

 


 

Dirección: Alberto Bojórquez (Fe), Luis Alcoriza (Esperanza), Jorge Fons (Caridad)

Producción: Ramón Meléndez

Guión: Luis Alcoriza, Julio Alejandro, Jorge Fons

Fotografía: Gabriel Torres

Edición: Carlos Savage

Música: Rubén Fuentes

Dirección de arte: Jorge Fernández

Reparto: FeFabiola Falcón, Armando Silvestre, David Silva, Roberto Ramirez Beto el Boticario, Betty Meléndez, Roberto Ramírez Garza, Fernando Soto Mantequilla, Leonor Llausás, Gina MorettEsperanzaMilton Rodríguez, Raúl Astor, Lilia Prado, Ilya Chagal, Anita Blanch, Sasha Montenegro, Juan José Martínez Casado, Guillermo Orea, Maritza Olivares, Alfredo Varela Jr. Varelita, Leticia RoblesCaridadKaty Jurado, Julio Aldama, Pancho Córdova, Stella Inda, Sara García

A continuacion el link para ver en youtube   , se encuentra dividida en varias partes una vez terminada solo hay que reproducir la parte siguiente que automaticamente te sugerira youtube.
 

 

 

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La "historia", si es que así puede llamarse, sigue el viaje (literal y figuradamente) de un reportero y su abogado que visitan Las Vegas para llevar la crónica de una carrera motociclística a través del desierto; posteriormente, el reportero se quedará en Las Vegas para cubrir una convención de "sheriffs" luchando contra el tráfico y consumo de drogas en sus respectivos pueblos.
 
 
Estos eventos, sin embargo, son de importancia muy secundaria pues ambos personajes se encuentran en un frenesí de abuso de drogas y alcohol tan violento que hace que todo pase a segundo plano. Todos los eventos que los rodean son vistos difusamente por su alterada conciencia, y la mayor parte del diálogo en la película se da en forma de narración, por medio de la cual "oímos" los pensamientos del reportero en su intoxicante recorrido.
 
El resultado es que la película, más que seguir una historia coherente, se descompone en una variedad de viñetas donde vemos y oímos la torcida percepción que los personajes tienen de ciertos eventos. Una visita a un casino (ya bastante surrealista estando sobrio) se convierte en un pasaje sacado del mismo infierno de Dante. Los períodos de relativa sobriedad están plagados de alucinaciones y fantasías paranoicas.
Éste es el tipo de película que puede generar en el espectador una de dos respuestas: repulsión absoluta ante el aparente rechazo por toda moralidad convencional, o aceptación total de la idea de que la percepción que tengamos de las cosas es completamente subjetiva y por lo tanto, válida para todas las personas.
 
Johnny Depp y Benicio del Toro tienen la casi imposible tarea de actuar en escenas que no obedecen a lógica alguna, y que los transforma de héroes a villanos varias veces y sin previo aviso. Los múltiples cameos de reconocidos actores y actrices podrían parecer caprichos del director, pero de hecho, en el torbellino de imágenes y narración sirven como puntos de apoyo; salvavidas temporales para devolvernos la perspectiva de las acciones que hemos presenciado. CuandoCameron Díaz reacciona como una persona normal ante las gracejadas de los drogadictos, nos damos cuenta de que el humor no siempre funciona igual bajo diferentes circunstancias. Cuando Christina Ricci se ve involuntariamente envuelta con los dos protagonistas, es penosamente evidente que por muy "cool" que parezca ese estilo de vida, tiene consecuencias irreparables sobre gente que no tiene nada que ver con ello.
 
No puedo decir realmente que "Fear and Loathing in Las Vegas" sea una buena película. Lo que sí puedo decir es que se trata deun valiente experimento fílmico que barre con nuestras nociones de narrativa y moralidad y trata de reemplazarlas con una escala diferente. Quien esté dispuesto a aceptar esto, no se arrepentirá de haberla visto, guste o no; quien no acepte el reto, mejor vea "Trainspotting" para una versión más sanitizada de este estilo de vida.
 

 

 

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Oldboy: días de venganza es un thriller provocador y visceral que cuenta la historia de un ejecutivo de una agencia de publicidad (Josh Brolin) al que secuestran y retienen durante 20 años en la más completa soledad sin que nunca sepa a qué se debe su reclusión. Cuando por fin le liberan inesperadamente, se lanza a una obsesiva búsqueda para descubrir quién ideó el extraño y retorcido castigo al que fue sometido. Pero no tarda en descubrir que sigue atrapado en una complicada y malévola conspiración. 
 
Durante su búsqueda, tiene una malograda relación con una joven trabajadora social (Elizabeth Olsen) y acaba conociendo a un hombre esquivo (Sharlto Copley) que dice tener la llave de su salvación.
 
 
Los relatos de venganza abundan en el universo del cine contemporáneo, pero ninguno ha llegado a alcanzar a Oldboy: días de venganza, una historia provocativa, emocional y brutal que reúne temas como el aislamiento, la represión, la venganza, la conciencia, la culpabilidad y la redención en el corazón de la cultura pop actual.
 
Esta nueva versión de Oldboy: días de venganza no solo es un homenaje a la primera película coreana, sino que también se adentra en un terreno oscuro y sorprendente. Basada en la novela gráfica de Garon Tsuchiya y Nobuaki Minegishi, así como en la aclamada cinta coreana dirigida por Park Chan Wook (ganadora del Grand Prix en el Festival de Cannes 2004 y uno de los thrillers extranjeros de más éxito), esta dirigida por Spike Lee, nominado en dos ocasiones por la Academia de Hollywood.
 
Lema: "No preguntes por qué te encerraron. Pregunta por qué te han liberado."
 
link para ver pelicula : http://www.peliculaschingonas.org/ver-oldboy-2013-online/
 

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El documental La Molécula Espiritual DMT: The Spirit Molecule a través de un enfoque multifacético nos revela la investigación del Dr. Rick Strassman y nos introduce a los asombrosos efectos de la Dimetiltriptamina (DMT).
 
DMT es un principio activo que se encuentra en el cerebro y algunas plantas consideradas alucinógenas. Entre ellas la más conocida es la “Ayahuasca”, la medicina sagrada del Amazonas.
 
Se utiliza según los chamanes o curanderos dentro de un contexto terapéutico y de sanación:
 
“La medicina recorre el organismo y detecta las dolencias físicas, escudriña el corazón y las emociones, la mente y los pensamientos, el espíritu y… a veces al mismo tiempo de un efecto de limpieza, de depuración, de purificación… a nivel mental y emocional, por una catarsis que se acompaña de una aceptación…
 
…En medio del trance lo que podríamos llamar el principio del tratamiento: una claridad de pensamiento en el enfermo que le permite entender su problema y también programar cambios de actitud en su vida, con miras a la obtención de la salud o el bienestar que buscaba cuando se propuso participar en la sesión”
 
En el documental “La Mólecula Espiritual” conoceremos las inquietudes y asombrosas experiencias de los participantes y voluntarios de esta investigación, que después de una larga espera, será lanzado en el mes de octubre del 2010. (Ver trailer)
 
Sin duda, el documental nos invita a cuestionarnos el alcance que ha tenido la dimetiltriptamina (DMT) en las teorías de la conciencia humana, pues hay evidencia arqueológica en diferentes culturas de la Antiguedad que demuestra la existencia del uso de estas sustancias para activar la glándula pineal como un “Portal Interdimensional” el cual nos permitiría entrar a otras capas o dimensiones de nuestra conciencia y realidad.
 

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En toda gran urbe confluye la opulencia y la miseria, los grandes edificios de aspecto vertical y los arrabales de casas derruidas, los coches lujosos y los carromatos destartalados, la vida y la muerte, la supervivencia y el derroche; todo ello producto de una sociedad llena de desigualdades que se devora a sí misma mientras olvida en vertederos apartados a sus propios hijos, víctimas y verdugos de una desidia conductual y educativa derivada de los problemas inherentes al ambiente que los rodean.

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Lo nuevo de Rob Zombie, es una cinta que como era de esperarse ha terminado por dividir al público de una manera aún más radical que de costumbre entre fans y detractores. No es de extrañarse ya que incluso desde que salió el trailer era fácil darse cuenta de que estábamos ante el que con toda seguridad es el proyecto más ambicioso y obscuro de su director, pero aquí incluso vamos a más; esta historia de brujería y satanismo urbano es no sólo la mayor apuesta de Zombie hasta la fecha, sino también muy probablemente su mejor película hasta ahora, aunque también es muy posible que sea esta la pieza que le termina de desterrar para siempre del cine de terror comercial.